Презентація на тему:
бароко

Мистецтво Бароко

У добу бароко нові віяння та ідеї вплинули на усі види мистецтва: архітектуру, скульптуру, живопис, музику, декоративне мистецтво. Образотворче мистецтво бароко найбільш яскраво й виразно представлено монументальним живописом підкорюває і засліплює сучасників своїм святковим блиском, загостренням пристрастей, нестримною енергією і динамікою. Пишні композиції прикрашали стіни і стелі (плафони) палаців і храмів, заміських резиденцій знаті і паркових павільйонах. Головні її теми - торжество Божественної справедливості і прославляння на небесах Христа, Божої Матері і святих, а також античні алегоричні сюжети, прославляння військових перемог, затвердження нових законів, ідея необмеженої влади держави і церкви.

ЖИВОПИС Фрески на стелі (старовинна вілла в Італії в стилі бароко) Живопис бароко відзначається декоративно-театральними композиціями , майстерною розробкою колориту й ефектів освітлення, складними ракурсами, підкресленою парадністю . Основні види та жанри: розписи (фрески) в церквах і палацах, вівтарний живопис; сюжетна картина, портрет. Найвідоміші художники: Мікеланджело де Караваджо (Італія), Ель Греко, Хосе де Рібера, Д. Веласкес (Іспанія), П.П. Рубенс, А.ван Дейк (Фландрія), Ф. Гале, Рембрант ван Рейн (Голландія) та інші.

Мікеланджело да Караваджо(1573-1610)  італійський живописець періоду раннього бароко, засновник європейського реалістичпого живопису XVII ст. , створив могутній стиль, використовуючи контрасти світла й тіні та фокусуючись на предметах, іноді застосовуючи драматичне  наближення та наповнюючи власні картини справжніми почуттями демократичного, народного світу. На стиль Караваджо з його драматичними і точно вивіреними світловими рішеннями почата орієнтуватися ціла плеяда художників, яких називають терміном «караваджисти». Мистецтво Караваджо справило величезний вплив на творчість не тільки багатьох італійських, а й провідних західноєвропейських майстрів - Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Рембрандта.

«Кошик з фруктами» (1596) Мікеланджело да Караваджо написав один з перших натюрмортів. Фрукти полюбилися Караваджо, коли він довгий час працював над натюрмортами в галереї відомого римського художника Чезаре д'Арпіно. Спочатку фрукти стали частим елементом його робіт, а пізніше - головним персонажем. Згодом цю картину визнали шедевром. Цей чистий натюрморт - один з перший в європейському живописі.

«Музиканти» (1595). Емоційне напруження в картинах Мікеланджело з'являлося завдяки контрастів світла і тіні. Вони використовуються як художні елементи. Подейкують, що Караваджо писав картини в темній кімнаті з маленьким вікном, в яке проходив лише промінь світла. Фігури на полотнах художника об'ємні, майже відчутні. Нерідко він писав картини з допомогою похилого дзеркала, щоб передати об'єм зображення і вловити тривимірність предметів. Караваджо написав себе з ріжком між двома музикантами

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) художник і гравер, великий майстер світлотіні, найбільший представник золотої доби голландського живопису, який зумів втілити у своїх творах весь спектр людських переживань з такою емоційною насиченістю, якої до нього не знало образотворче мистецтво. Роботи Рембрандта, надзвичайно різноманітні за жанрової належності, відкривають глядачеві позачасовий духовний світ людських переживань і почуттів. Улюбленим засобом моделювання образів стало застосування ефектів світлотіні, її нюансів та контрастів, за допомогою яких художник досягав великої матеріальності та спрямовував увагу глядача на найголовніше в композиції. Стримана золотаво-червона гама, лаконічний малюнок і мерехтіння світла надавали живописній манері Рембрандта специфічності та емоційної виразності.

«Нічна варта» (1642) Рейксмюсеум, Амстердам Це найвідоміша картина Рембрандта,яка отримала свою нинішню назву лише в кінці XVІII століття. Пояснюється це просто. Темний лак (знятий пізніше) створював оманливе враження того, що зображені події відбуваються серед ночі. Цей груповий портрет разюче відрізнявся від полотен інших художників драматичним освітленням і природністю персонажів. Всі показані на картині офіцери розміщені відповідно до сплачених ними Рембрандту гонораром. Спочатку на лівому краю картини розташовувалися ще дві фігури, а по трьом іншим краям проходили вузькі смуги срібної амальгами. Після того, як полотно було підрізано за новим форматом, все це зникло.

«Повернення блудного сина» (бл. 1669) Одне з відомих полотен Рембрандта , яке базується на сюжеті євангельської притчі про блудного сина . На картині зображено фінальний епізод притчі, коли блудний син повертається додому.  Вважається, що це одна з останніх робіт Рембрандта. Картина сповнена ніжності і співчуття. Британський мистецтвознавець Кеннет Кларк писав, що всякий, хто хоч раз бачив її, погодиться з тим, що перед ним «найбільше полотно з усіх коли-небудь створених рукою художника». Ермітаж, Санкт-Петербург

«Святе сімейство і янголи» (1645) Ермітаж, Санкт-Петербург Ця пройнята дивовижною ніжністю картина підтверджує дар Рембрандта до такої міри змішувати божественне і земне, що вже неможливо провести грань між ними. Богоматір перервала читання, щоб поправити покривало на Дитятко, а може, щоб прикрити Його обличчя від яскравого світла, покликаного підкреслити Його велич. На задньому плані теслярує чоловік Марії - Йосип. Мати, дитя, навіть колиска - чисто голландські типи XVII століття. Це могла б бути, мабуть, будь-яка звичайна сім'я, якби не злітаючі з небес янголи-діти.

Пітер Пауль Рубенс (1577—1640) фламандський живописець, один із найвизначніших представників доби бароко. У його творчості проявилися усі характерні риси живопису Фландрії: героїзм образів, широкий розмах композиції, оспівування сили та мужності людини, багатства і краси природи. Серед картин Рубенса — монументальні полотна, портрети, написані маслом, та гравюри, які принесли художнику світову славу. За талант і високий професіоналізм Рубенса називали «королем живопису і живописцем королів».

«Зняття з хреста» (1634) Важливим досягненням цієї картини з'явилося використання світла для досягнення цілісності багатофігурною композиція. Три головних моменти легенди - зняття з хреста, непритомність Марії і розстелання плащаниці - освітлені трьома різними джерелами світла, інтенсивність яких убуває згідно з зменшенням значення сцени. Картина ілюструє євангельську легенду про те, як Йосип Арімафейський, Никодим та інші учні і близькі Христа, одержавши дозвіл Пілата, зняли вночі тіло Христа, загорнули його в багату плащаницю і поховали.

«Поклоніння пастухів» (1608) Картина Рубенса була остаточним ескізом для грандіозного вівтарного образу. Для цього творіння характерна особлива тональність червоного кольору. Також варто відзначити вільну фактуру майстерень мазків пензля живописця. Зверху ми бачимо янголят, які безтурботно парять. Внизу зображені пастухи, а також сама Діва Марія. Вона схилилася над яслами, в яких мирно спить Христос. Селянські типажі неймовірно своєрідні. Освітлення особливе. Здається Рубенс нарочито вихоплює фігури з темряви. Антверпен, Бельгія

Дуже точно було передано яскравість, блиск неба, просту, але водночас таке метушливе життя селян, життя, яке простягається далеко за горизонти дерев і полів. А веселка, яка пролітає над блискучими деревами, передає нескінченну загадковість. Рубенс рідко творив пейзажі - робота його змушувала займатися живими сценами, але все одно він створив кілька картин свого улюбленого пейзажу. Своїм оригінально розробленим вільним стилем, яким Рубенс малював для свого ж задоволення, відтворив на полотні улюблену місцевість. «Пейзаж з веселкою» (1638)

СКУЛЬПТУРА Художній стиль скульптури бароко характеризується підкресленою театралізацією образів, динамізмом поз, експресивністю жестів. Головна увага приділялася динамізму ансамблю завдяки втіленню сцен, що зображали певний момент якоїсь дії. Багато майстрів почали використовувати у своїх творах комбінації різних матеріалів.

«Аполлон і Дафна» (1622-1625) Мармурова скульптура в стилі бароко італійського майстра Лоренцо Берніні, є однією з кращих його робіт. В основі композиції — сюжет із твору давньоримського поета Овідія «Метаморфози»: бог Аполлон переслідує німфу Дафну, яка прагне зберегти свою чистоту та цнотливість. У момент, коли Аполлон майже зловив свою жертву, сталося диво: боги перевтілили Дафну в лаврове дерево. Переплетення почуттів і переживань персонажів є ключовою складовою твору і його основою.

«Давид» (1623) Галерея Боргезе, Рим. 24-літній Берніні задумав і вирізав статую Давида всього за сім місяців. Скульптора зображує біблійного героя Давида, готового жбурнути камінь у Голіафа. Вибір саме цього сюжетного моменту дозволяє Берніні показати юнака в найбільш напружений момент сутички - з особою, повним ненависті до ворога, в гранично різкому розвороті корпусу, схилені і вигнутого. Давид дивиться на гігантського вбивцю, відчуває Голіафа, що стоїть вище його плеча. Гримаса на обличчі передає абсолютно певний намір, а величезна напруженість викривленого тіла демонструє силу, яку він готовий випустіть. Все члени і м'язи тіла беруть участь у помаху рук, щоб метнути в супротивника смертоносний камінь. Скульптура втілила в собі риси свого автора. Дзеркало тримав патрон Берніні, Кардинал Барберінік, в той час як юний скульптор вирізав обличчя Давида.

«Аполлон і німфи» (1662-1672 ) Декоративна група в гроті парку в Версалі. мармур. Монументальна скульптурна група «Аполлон і німфи» була виконана на замовлення Людовика XIV скульптором Франсуа Жирардон. Вона являє собою композицію з семи мармурових статуй - Аполлона з рисами короля Людовика XIV і шести німф. «Аполлон і німфи» - алегорія Короля-Сонця - один з головних символів садової скульптури Версаля. Зразком для Аполлона послужила постать Аполлона Бельведерського в Ватикані. Німфи омивають і вмощуються Аполлона, який повернувся ввечері після подорожі в сонячній колісниці

ІНТЕР’ЄР Інтер’єр бароко с зовнішнім проявом внутрішнього прагнення людини до просторового розмаху, величі та пишноти. Інтер’єру цієї доби притаманні гра тіней, пишність і велич форм, вигнуті лінії, складні обриси елементів, гобелени, розписні стелі та велика кількість дзеркал. У цей час в моду ввійшли різного роду шафи, бюро, комоди, які теж мали криволінійні обриси і ніжки, що оздоблювались рельєфами із позолоченої бронзи.

Виразником стилю бароко середини XVIII століття є великий зодчий В. В. Растреллі. Вершиною творчості Растреллі є інтер'єри Катерининського палацу в Царському селі, особливо обробка Великого залу, де на білій гладі стін вільно і живописно розташовуються блискучі позолотою різьблені прикраси, утворюючи неповторне по красі різьблене оздоблення.

ЮВЕЛІРНЕ МИСТЕЦТВО Стиль бароко вплинув і на ювелірне мистецтво. У цей час популярними були келихи із золота та срібла з додаванням коштовних каменів, мінералів і коралів, згодом використовували навіть кокосові горіхи та страусині яйця. Келих з морським конем, майстерні Німеччини. Державний музей мистецтв Лос-Анжелеса, Каліфорнія

Ендріс Деген молодший. Келих з морською мушлею і тритоном. 1580 р. Келих з наутилусом, Невідомий з Нідерландів 16 ст., Волтерс арт музей, Балтимор

МОДА БАРОКО Бароковому костюмі були характерні манірність, пишність, велика кількість прикрас і бантів. По-французьки бант - galant, звідси і ще одна назва для даного часу - галантна епоха. Ідеалом чоловіка був французький король Людовик XIV. Чоловіки носили широкі штани-кюлоти, які зав’язувалися під коліном на бант, товсті вовняні панчохи і великі черевики з квадратними носами та великими пряжками і високі ботфорти. Поверх сорочки з великим коміром одягали каптан, зверху — камзол без рукавів. «Від черевиків до капелюхів - банти, стрічки, банти, стрічки ...» - писав Мольєр про моду французьких аристократів XVII століття

Шарль Лебрен Кінний портрет Людовика XIV Портрет Шарля Лебрена роботи художника Нікола Ларжільер

Для жіночого одягу була характерна велика кількість рюш, бахроми, вишивок, оборок, стрічок, сережок, намиста на оголеній лінії декольте. Кравці комбінували шовк, оксамит, парчу, тафту, газову тканину різних відтінків, поєднуючи квіткові мотиви зі східними включеннями. Жінки носили парадні сукні з пишними спідницями на каркасі. При цьому низ суконь другої половини XVII століття складався з трьох спідниць.Наприкінці XVII ст. в моду увійшли несподівані тоді смужка і клітинка.

Анна-Генрієтта Гонзага Баварська, принцеса Конде Також обов'язковим елементом жіночого костюма XVII століття був корсет. Метою корсета, який робився з китового вуса, було зробити якомога більш вузької жіночу талію. Корсетом іноді затягувалися до такої міри, що в задушливому приміщенні було важко дихати і жінки часто падали в непритомність. Тому пані XVII століття обов'язково носили з собою нюхальну сіль. Використання корсета в жіночому гардеробі також негативно позначалося і на здоров'я жінок того часу, так як через тривале носіння корсета відбувалися деформації внутрішніх органів.

Портрет Анжеліки де Фонтанж пензля художника Анрі Пігайема Зачіски жінок XVII століття найчастіше були високими. Наприклад, в моду входить зачіска «фонтанж», названа на честь ще однієї фаворитки Людовика XIV Анжеліки де Фонтанж. Така зачіска складалася з ряду збитих волосся, стрічок і мережив, покладених на високий дротяний каркас.